LEGAL NOTICES

BAULT & COX CREW

BORDEAUX – FRANCE – 05/05/2017 – 03/06/2017

ALBEN – COPE2 – CHLOÉ COOMANS –  ETIENNE BISCH – ENDER – FRED CALMETS – INDIE184 – KASHINK – KOUKA – KOOL KOOR –  LEVALET –  NOTY AROZ – POPAY -PARICK HUGUES – ROMAIN FROQUET – SHAKA – SNIK – XAVIER JAMBON

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Liberté. Sept lettres qui semblent être le vecteur de l’art de Bault. L’artiste pourrait s’inscrire dans la mouvance de l’art brut en produisant des créatures hybrides sorties de son imagination à l’apparence simpliste, mais à y regarder de plus près, le tracé est précis et les détails sont soignés. Alors bienvenu au sein de son cabinet de curiosités, peuplé de monstres unijambistes, de bipèdes menaçants, mais aussi de mammifères à quatre yeux, cinq bras et dix pattes.

Freedom. These seven letters seem to be the guiding principle in Bault’s art. The artist puts his academic knowledge to use in order to play with the codes of traditional art. While the hybrid and childish creatures he draws right out of his imagination could easily affiliates him to the raw art movement, his style is neat with meticulous details. Welcome to Bault’s curiosity cabinet filled with one-legged monsters, threatening bipeds, and mammals with four eyes, five arms or ten leg! 


BAULT

Sur toile comme sur mur, Bault porte  un art instinctif dénué d’idées préconçues, une représentation du monde unique et en constante évolution. Une dynamique que l’artiste cultive dans sa vie professionnelle : s’il commence le graffiti en 1997, il se consacre en parallèle à la vidéo jusqu’en 2011. C’est en 2013 qu’il fait ses premiers pas en galeries, au Cabinet d’amateur à Paris. Il renoue alors avec ses croquis fantasques, sa peinture acrylique et ses bombes, pour donner vie à des toiles aux lectures multiples et au fort impact visuel, où la bestiole n’est peut-être finalement qu’une représentation plus ludique de l’humain et de ses multiples personnalités.

Si à ses débuts, Bault aimait le travail aux tons monochromes, aujourd’hui la couleur, pastel ou vive, fait partie intégrante de l’esprit fictionnel de ses peintures. Cet été 2016, il proposait lors du festival Rouen Impressionné un sanglier absurde sur fond jaune saturé aux tons dégradés d’orangé. Pour cette pièce, l’artiste s’est inspiré de dessins d’enfants, de ces êtres qui crayonnent sans réflexion ni volonté de respecter la réalité, véritables modèles de liberté pour le Français. Après avoir participé à l’événement bordelais Transfert #6, Bault se rend à Haïti en août où il crée de nouvelles œuvres en volume sur bois. Une inspiration de mise pour mener à bien ses deux solo shows de l’année, présentés à la galerie londonienne Unit 5 en octobre, et fin 2016 à la galerie montpelliéraine Nicolas Xavier.

BAULT

On canvas as on walls, Bault develops an instinctive approach freed from preconceived ideas, a unique representation of the world in constant change. The same goes for his professional life: having started graffiti in 1997, he has also been dedicating himself to videos since 2011. His first gallery exhibition was in 2013, at the Cabinet d’amateur in Paris. That was when he reconnected with his fantastic world, his acrylic painting and his spray cans, to produce multifaceted artworks with strong visual impact –in which weird creatures appear to be playful representations of men and their many faces.

Whereas Bault liked monochromes at first, pastel or vivid colors are now characteristic elements of his fictional creations. During the summer 2016, he presented an absurd wild boar painted on a saturated yellow background with shades of orange at the Rouen Impressionné festival. For this piece, he drew his inspiration from children drawings. Kids -who draw without thinking or desire to represent anything real- embody the essence of freedom for this French artist. After taking part in the Transfert #6 exhibition held in Bordeaux, Bault flew to Haiti in August, where he created new 3D wood pieces. Something that should fuel his creativity for his two upcoming shows this year at the Unit 5 London-based gallery in October, and the Nicolas Xavier gallery of Montpellier at the end of 2016.


ALBEN

Né en 1973, en Normandie Alben récupère, collectionne et accumule depuis l’enfance. Autodidacte, il est attiré par le graffiti et commence à taguer dès l’adolescence. Inspiré par les nouveaux réalistes et plus particulièrement Arman et César, le travail de sculptures d’Alben se développe depuis une dizaine d’années. Il réutilise des objets issus de la culture américaine notamment, qu’il accumule et fige dans la résine. La forme s’inspire autant d’oeuvres classiques comme la Victoire de Samothrace, David de Michel-Ange, ou la Vénus de Milo que des cultures religieuses et populaires. Les inclusions d’Alben à la fois décalées et esthétiques, interpellent.

ALBEN

Born in Normandie in1973, Alben, since childhood salvages, collects and piles up items. Interested in graffiti, he starts as soon as an adolescent to tag on his own. After having studied aeronautics, he works during 15 years in the field of composite materials. Simultaneously, he develops an artistic universe and shows his paintings at the Independant Artists Exhibition in 2006. Immediatly scouted, his work is presented in galleries in France and abroad, particularly in New York whith two consecutive personnal exhibitions. Inspired by the new « Realists », especially Aman and Cesar, he develops his art of sculpture during the last decade. He recycles gathered items from the american culture fixing them in resine. Classsic masterpieces such as « The Victory of Samothrace », Michel Angelo‘s « David », or the Venus de Milo, as well as items coming from popular or religious cultures feed his inspiration. Alben’s inclusions being both aesthetic and freakish are soon succesful. Alben works and lives in the Médoc in an old factory. He is regularly presented in International Modern Art Exhibitions.


COPE2

Plus qu’une légende, un mythe. Dinosaure du street art new-yorkais, Cope2 est une célébrité planétaire. Ses oeuvres prennent part dans les plus belles collections des deux hémisphères et le grand capital s’intéresse de près à son cas. Ses nombreuses collaborations avec d’autres artistes (Shepard Fairey, Retna, Kenny Scharf, Mister Brainwash,) montrent à quel point ses pairs l’admirent et le respectent. Si c’est dans la rue qu’il se sent vraiment à sa place, depuis quelques années le travail d’atelier est devenu pour lui une véritable bouffée d’oxygène qu’il inhale avec gourmandise pour un résultat de plus en plus probant.

COPE2

More than a legend, a myth. Known as a dinosaur of street-art in New York, Cope2 is a planetary star. Artists coming from all over the world regularly land in New York to paint next to their master. In spite of his confirmed fame, this South Bronx kid never forgott where he comes from. Born in the worst no-go areas of New York, Cope2 has been claiming for over thirty years his resolute integrity towards street art. Talent scouts very quickly spotted that guy who can draw without sketch. His work takes part of the most prestigious collections all over the world and capitalists have proven deep interest towards him. Brands such as Time Life, Converse, Adidas or Footlocker call for his genius to boost their sales. Just as big industries of video games or film makers have. His many collaborations with artists (Shepard Fairey, Retna, Kenny Scharf, Mister Brainwash …) show how they admire and respect him. Cope2 does not however despise such advantages, nor the related social events . If the street keeps being his favorite element, working in a studio for these last years has turned out to be like breathing a new oxygen he inhales greedily to feed every day more compelling results.


CLOÉ COOMANS

Chloé étudie la sculpture à l’Académie des Beaux-Arts de Bruxelles. Après quelques années de solitude dans son atelier, elle ressent le besoin de réintégrer un atelier de « pratique expérimentale ». Son désir d’explorer les champs infinis des techniques d’expressions commence ici. Elle intègre ses sculptures dans des installations, elle découvre la magie de l’art vidéo, ainsi que la sérigraphie. Elle aime travailler à l’échelle de la nature et réalise des installations qui envahissent les forets, par divers médium. Souvent une bande son rajoute une dimension non palpable et pourtant sa présence est d’une réalité surprenante.

CLOÉ COOMANS

Chloe studied sculpture at the Academy of Fine Arts in Brussels. After a few years of solitude, she feels the need to go back to a studio and improves her “experimental practice”. That is where really emerges her desire to explore the infinite fields of techniques of expression. Her art installations include her sculptures, integrating the magic of video-art and seigraphy. She likes to work on a nature scale and realises installations in the woods through various mediums. Often a soundtrack is added giving a not tangible dimension, yet surpisingly close to reality. One can feel through her work, the expressions of tension, of the inner swarming specific to anyone. Her source is metal which she unfolds in the space like an aerial graphic line. These recent years, self- awaresness through one’s Gordian knots has been the essence of her artistic approach. Like an attempt to figure her intuition as much as the expression of the deep swarming specific to each personality. Her Gordian knots became by the way the body of her metal sculptures. She talks of wandering souls, hopeless romantics, of interlaced or loosen knots, of ourselves, of various euphoria, tenderness, distress, sweat, honey or hysteria. It is all about what sways, shudders,  verflows, what can be lost, movements, haggard gazes.


ENDER

Comédien professionnel depuis plus de vingt ans, curieux des arts en général, il commence en 2008 à poser ses pochoirs sur les murs de Paris. Ce sera en premier lieu la série des Mariolles, enfants espiègle et quelque peu insolents qui tirent la langue aux passant-spectateurs ; viendront ensuite, entre autres, les gargouilles et les anges. Toujours avec la volonté d’emprunter des thèmes classiques pour mieux les imprégner du temps présent. C’est de même en metteur en scène qu’il pose ses oeuvres sur les murs de Paris, Rome, Marseille, Venise ou Florence, veillant à ce que le pochoir et le mur puissent au mieux dialoguer ensemble et surtout « parler » à ceux qui passeront devant, les étonner et surtout susciter de l’émotion. Son travail d’atelier est présent dans des galeries à Paris, Marseille, Strasbourg et Nice. Il a participé à deux reprises au festival international d’art contemporain des Alpilles. Présent dans de nombreux livres traitant du street art, il est l’un des rares artistes français présents dans « Planet Banksy » édité aux états Unis en 2014. La monographie « Ender, la comédie urbaine » préfacée par Jef Aérosol est parue aux éditions critères dans la collection opus délits.

ENDER

Professional actor for more than twenty years, curious about art in general, he started in 2008 to put his stencils on the walls of Paris. First, there will be the series of the Mariolles, mischievous and somewhat insolent children who stick out theit tongue to the passers-by spectators ; Coming next, among others, gargoyles and angels. Always with the will to borrow classic themes and transpose them in the present time. The same way, as a theater director, he staged his work on the walls of Paris, Rome, Marseille, Venice or Florence, caring about making sure that the stencil and the wall can have a dialogue, and overall speak to those who will pass by, astonish them, and most of all provoke some emotion. His studio work can be seen in galleries in Paris, Marseille, Strasbourg and Nice. He participated twice in the international festival of contemporary art of the Alpilles. Present in several books dealing with street art, he is one of the few french artists in “ Planet Bansky” published in 2014 in the USA. The monography”Ender, the urban comedy” prefaced by Jef Aerosol was published by the Criteres publishing house in the collection Opus Délits.


ETIENNE BISCH

Etienne Bisch vis et travaille à Blaye, près de Bordeaux et est né à Paris en 1993. La peinture acrylique est utilisée sur de grands papiers Canson, enduits par la suite sur toile. Dès la fin de l’année 2012, Etienne décide d’apposer de la couleur sur ses personnages, initialement toujours en noir et blanc. L’artiste travaille avec les outils de son temps : palette graphique et logiciel de retouche se sont immédiatement et naturellement imposés à lui. A l’instar d’Andy Warhol, les toiles étaient imprimées par tirage unique.

ETIENNE BISCH

Etienne Bisch lives and works in Blaye, near Bordeaux and was born in Paris in 1993. Son of a famous artist, Etienne realises very soon the necessity of having a first name and then decides to sign his paintings in Japanese, a language he is particularly fond of. Since the age of three, the artist draws his stylized characters, a mix of different graphic universes of his generation. He uses acrylic paint on large Canson sheets, subsequently coated on canvas. As soon as the end of 2012, Etienne decides to add color on his characters, initially always in black and white. The artist works with the tools of his time: using graphic palette and retouching software happened immediately and naturally to be obvious. Alike Andy Warhol, his canvases were printed on a single print run. The artist will even declare: « I am absolutely convinced that Leonardo da Vinci would have used the digital techniques without any hesitation if he could. » Today, the artist fills his enigmatic figures by hand. But they always reflect a visceral critique of our contemporary society.


FRED CALMETS

Fred Calmets est un peintre, graveur et dessinateur né en France en 1976, qui vit et travaille à Poitiers. Profondément humain et en prise avec son temps, Fred Calmets est un peintre aux influences multiples. Véritable « fétichiste du mur », s’adapte inexorablement aux multiples textures, aspérités et formats de la rue. A travers ses grands coups de brosse, Fred Calmets a le sens du détail, du réalisme. L’artiste interroge le sens de la vie ou de la mort. Il nous montre également une vision contemporaine, actuelle et même à venir de l’Humanité, dans un rapport au présent. Les différents sujets abordés ne sont que prétextes à la création. Fred Calmets mélange, mixe les sujets et cherche perpétuellement à faire avancer sa peinture.

FRED CALMETS

Born in France in 1976, Fred Calmets is a painter, engraver and a draftsman. He lives and works in Poitiers. Deeply human and in touch with his time, Fred Calmets is a painter subject to multiple influences. Coming from the large street art family, painting does not prevent him from constantly going back to his very first artistic movement in such a way that the artist cannot miss a wall of bricks or concrete, a bridge or an abandoned house. Fred Calmets, a true « fetishist of the wall », inexorably adapts his technique to fit to the various textures, roughnesses and formats of the street. Through great brush strokes, Fred Calmets has a sense of detail, of realism. The artist questions the meaning of life or death. He also reveals a contemporary, actual and even future vision of Humanity, in relation to the present. The different topics tackled are only pretexts for creation. Fred Calmets combines, mixes subjects and perpetually seeks to improve his painting.


INDIE 184

Indie184 est l’une des rares femmes, les plus actives dans le monde du graffiti « old school ». Des collages de photographies de femmes, en noir et blanc, souvent des îles Caraïbes, dont elle est originaire, sont au centre de plusieurs de ses toiles. Avec toujours ce même style reconnaissable au premier coup d’oeil : très « girly », comme elle le revendique (des couleurs vives, exubérantes) et en même temps très ludique par la clarté et la simplicité de ses différents lettrages.

INDIE 184

Indie184 is one of the few women, the most active in the world of « old school  » graffiti. Born in Puerto Rico, the artist grew up in New York where she preferred graffiti to business school, which she left to devote herself to her passion. She began painting in the early 2000s, influenced by abstract expressionism and pop art. Colllages of black and white photos of  women, often from the caribbean islands like her, are at the center of many paintings of hers. With always the same style recognizable at first glance: very « girly », as she claims (bright colors, exuberant) and very funny at the same time asides the brightness and simplicity of her different lettering.


KASHINK

Kashink, une des rares filles très actives dans le mouvement street art/graffiti, est une personne atypique. Elle porte souvent une moustache, elle peint d’immenses personnages protéiformes aux yeux multiples, ou des têtes de mort à la mexicaine, le tout dans un style graphique très coloré, loin des références traditionnelles du graffiti. Kashink revendique une peinture engagée, partant du principe que peindre dans la rue permet de faire passer de vrais messages à grande échelle. Parmi les thématiques qui lui tiennent à coeur, on trouve des sujets tabous dans notre société, tels que l’égalité des droits homme femme, l’homosexualité, la religion, la finitude.

KASHINK

Kashink, one of the few vey active girl in the street art/ graffiti movement is an atypical person. She often wears a mustache, she paints huge multifaceted characters with several eyes, or mexican skulls, the whole in a very colorful graphic style, far from the traditional references found in feminin girly graffiti. Her work, inspired by her slavic and hispanic origins, Pop Art and narrrative illustration, can be seen both in the street and in galleries where she often exhibits.She is more and more sollicitated to show her work abroad (Canada, the USA, Europe) and to paint walls in cities such as London, Vienna, Ibiza, Bristol, Madrid, Berlin and Paris where she lives. Kashink claims for a commited painting, based on the idea that painting in the street allows to send true messages on a large scale. Among the themes she likes to express, are topics taboo in our society, such as equal rights between men and women, homosexuality, religion, final accomplishment…She regularly realises frescoes about equality (Act UP) and takes part of associations such as The Voice of the Child and Emmaüs. She is convinced that street art has to remain a militant action. Her exhibitions show a strong commitment on those themes, Kashink never hesitating to diversify her techniques (installations, ceramic, photo, video…) Such a commitment having been noticed, she has participated from September 2012 to March 2013 at the Biennale of Contemporary Art in Le Havre.


KOOL KOOR

Ex compagnon d’armes de Basquiat et de Keith Haring, Charles Hargrove, alias Kool Koor, né à New York en 1963, est un pur produit du South Bronx. Fils de peintres, il étudie l’architecture et l’illustration, tout en se passionnant pour le graffiti. Passé des murs aux toiles, il expose 16 ans chez Fashion Moda, la première galerie qui s’intéressera aux artistes du Bronx. De là, il franchit East Village, et ensuite la scène artistique de Soho. « Grafitti connection », « Graffiti writer », l’artiste aérosol Kool Koor, est un des plus intéressants représentants du « Tag » de sa génération. Il manie la bombe spray avec éloquence et disperse les couleurs acidulées aux tonalités rose fluo, or, rouge pour créer des paysages futuristes, ni figuratifs, ni abstraits. Par un langage d’écritures à travers ses dessins, Kool Koor peint son interprétation du présent, du passé et du futur en y intégrant des voyageurs de l’espace et sa propre calligraphie pour projeter des images multidimensionnelles.

KOOL KOOR

Former comrade in arms of Jean-Michel Basquiat and Keith Haring, Charles Hargrove, aka KOOL KOOR, born in New-York in 1963, is a product of the South Bronx. Son of painters, he studied architecture and illustration, while exciting for the graffiti. Past walls to paintings he exhibited at Fashion Moda at 16 years, the first gallery, which will focus on artists from the Bronx. From there, he crossed East Village, and then the art scene in Soho. «Graffiti Connection», «Graffiti Writer». The aerosol artist KOOL KOOR is one of the most interesting representatives of the «Tag» of his generation. He wields the bomb spray with eloquence and disperses the bright colors toned bright pink, gold, red to create futuristic landscapes, neither figurative nor abstract. By a language of writing through his drawings, KOOL KOOR paints his interpretation of present, past and future by integrating space travelers and his own calligraphy for projecting multidimensional pictures.


KOUKA

Kouka est un artiste peintre né a Paris en 1981. Métis franco africain, petit-fils du peintre expressionniste Francis Gruber, acteur du mouvement Hiphop depuis 1996, puis diplômé de l’école des Beaux Arts en 2000, il ne cesse d’interroger ses origines, sur ses toiles comme dans la rue. Déclinant différentes formes du portrait, Kouka développe ses thèmes de recherche autour de l’essence de l’Homme, et de l’identité. Son travail se caractérise par l’expressivité et la spontanéité du geste, laissant volontairement apparaître les imperfections, les imprécisions et les coulures. Sa peinture se joue des codes du graffiti pour mieux toucher au coeur d une recherche sur le statut de l’image.

KOUKA

Kouka is a painter born in Paris in 1981, Franco-Congolese, grandson of expressionist painter Francis Gruber, actor of the HipHop movement since 1996, later graduate from de Fine -Art School in 2000, he ceaselessly questions his origins, through his canvases and in the street. Through various forms of portraiture, Kouka develops his research themes around the essence of human nature and identity. His work is characterised by expression and spontaneity of gesture, delibberately revealing imperfections, inaccuracies and drips. His paintings play with the graffiti codes in order to better explore the meaning of the image. Since his famous “Bantu Warriors” which were his first urban singular print, he never fails to remind that the public space, like the world, belongs to no-one and that if it is possible to conqueer a territory, a culture cannot be appropriated. Asserting himself through a quasi-obsessive focus on selfportrait, he adds “Writings” to figurative elements, creating a veil between the face and the viewer, which is both protective and vector of thought provoking. Sometimes the subject disappears to allow the expression of the power of the text. Work becomes a white surface where only the strength of the words is expressed. Indistinct, illegible, enigmatic, the language is no longer identified, words turn into symbols as a return to universality.


LEVALET

Charles Leval, dit Levalet, est né en 1988 à Epinal. L’oeuvre de Levalet est avant tout un travail de dessin et d’installation. Il met en scène ses personnages dessinés à l’encre de chine dans l’espace public, dans un jeu de dialogue visuel et sémantique avec l’environnement présent. Les personnages interagissent avec l’architecture et se déploient dans des situations frôlant souvent l’absurde. Ses êtres de papiers ont un langage corporel très prononcé et nous entraînent sans difficulté dans leurs aventures artistiques. Ils se retrouvent à chaque fois dans des scènes extravagantes et drôles qui tournent en dérision notre quotidien autant qu’il l’égaie. Par l’illusion, Levalet nous fait glisser dans une réalité fictive, une réalité qui nous séduit.

LEVALET

Charles Leval, known as Levalet, was born in 1998 in Epinal. He grew up in Guadeloupe where he first met urban culture and later plastic arts. He studies Fine Arts in Strasbourg. His work then focused on video and nourishes itself by a serious practice of theater. He becomes Senior teacher in 2012, the year his work began to be seen in Paris. He has since participated in many exhibitions including several solo shows, as well as in a few international meetings. Levalet’s work mainly consists in drawings and installations. He introduces his india-inked characters in the public space, in a game of visual and semantic dialogue with the environment. His characters interact with architecture and evolve in situation often bordering within the absurd. His characters made out of paper have a strong body language and take us easily in their artistic adventures. They always find themselves in extravagant and funny situations, mocking our everyday life while cheering it up.Through illusion, Levalet makes us slide in a fictitious reality, a seductive reality.


NOTY AROZ

Noty et Aroz se rencontrent dans une école primaire de banlieue parisienne. À 12 ans, c’est lors d’une escapade artistique qu’ils rencontrent un vieil homme invalide. Alors qu’ils graffent le côté de sa maison, l’ancien aventurier, sociologue et anthropologue de renom les prend sous son aile. Ils nouent rapidement un lien unique avec celui qu’ils considèrent aujourd’hui comme leur mentor, leur propre père : Le Professeur. Durant des années, l’homme leur transmet les fondements du Syncrétisme Fictif, une théorie socio-théologique portant sur une nouvelle religion émergeante, la Mythologeny : depuis le début du troisième millénaire, à travers le monde, certains peuples se seraient mis à vénérer des personnages issus à la fois de fictions populaires et de croyances traditionnelles. Chacune des créations graphiques de Noty Aroz découle d’un long travail de recherche et d’analyse, dans lequel chaque symbole est justifié, réfléchi puis retranscrit. Street-Art ludique pour certains, croisade d’un nouveau genre pour d’autres, toujours est-il que leur démarche artistique ne s’arrête pas à la prouesse technique et qu’il s’agit incontestablement d’une pratique novatrice dans le paysage de l’art contemporain. En sortant les personnages de la fiction et en les ancrant dans le réel, Noty Aroz parlent aux fans de geek art et aux passionnés de cultures ancestrales, ils sacralisent le trop-populaire et nous confrontent à une nouvelle lignée de figures iconographiques : MytholoGenY, une Mythologie pour la Génération Y ? Leurs oeuvres de pochoirs en 3D s’inscrivent dans la même démarche : confronter un outil populaire tel que le pochoir à un objet noble et souvent sacré, la sculpture. Encore une fois, le fond va de pair avec la forme. En résulte un travail d’artisan minutieux et lourd de sens.

NOTY AROZ

Noty and Aroz met in a primary school in the suburbs of Paris. At the age of 12, during an artistic escapade they meet an invalid old man. As they were tagging one wall of his house, the former adventurer, famous sociologist and anthropologist takes them under his wing. They quickly create a close and unique relationship with the man they consider today to be their mentor, their father : The Professor. For years, that man teaches them the foundations of Fictitious Syncretism, a sociotheological theory related to a new emerging religion, the Mythologeny : since the beginning of the third millenium, througout the world, some peoples would have begun to worship characters coming from both popular fictions and traditional beliefs. Each creation from Noty Aroz stems from a long work of research and analysis, in which every symbol is justified, thought and then reported. Playful Street-Art for some, crusade of a new type for others, the fact is that their artistic approach does not stop with the technical prowess, but that it is incontestably about an innovative practice in the artistic contemporary landscape. By transposing the characters out of the fiction and anchoring them in the reality, Noty Aroz talk to geek-art fans and to enthusiasts of ancestral cultures, they sacralize what has become too-popular and confront us to a new lineage of iconographic figures : MytholoGn Y, a mythology for the Y generation? Their work of stencils in 3D is in the same line : confront a popular tool like the stencil to a noble and often sacred object, a sculpture. Once more, form and matter work together. As a result, you get a meticulous and heavily meaningful craftwork.


PATRICK HUGUES

Patrick Hugues a 44 ans, il vit et travaille à Marseille. Diplômé Par Le Gouvernement à 25 ans, le jeune phocéen s’installe alors son compte. Sa pratique du dessin et de l’illustration sont alors mis entre parenthèses. Mais le besoin de croquer ressurgit alors soudainement dans sa vie. Prometteuse, une première série de dessins au feutre noir voit le jour. Les premiers jalons de composition sont posés. Ports à l’abandon, entrepôts, grues figées : on peut alors y apercevoir de vastes ensembles urbains désaxés. D’abord désincarnés, ses travaux vont lentement se peupler. Le temps des grands formats se fait sentir et l’artiste déplace son action sur la toile. Incendies, masque à gaz, scènes d’émeutes ou de violence urbaines… La dimension tourmentée et cathartique domine. Tout comme le respect de la figuration, héritée de ses nombreuses années de pratique architecturale. Toujours en noir et blanc, le peintre travaille en tonalité de gris, en couche de lavis et glacis successifs. Brut et violent, le rouge s’invite également dans ses oeuvres. Après une première série baptisée “Noir”, mis en lumière dans la galerie “L’Appartement”, Patrick Hugues opère une autre rencontre majeure en la personne de David Pluskwa. Pour le galeriste, qui intègre actuellement à son catalogue le meilleur de l’avant-garde marseillaise, les oeuvres de Patrick sont immanquables et bienvenues. “La suite ? Je pense que mes vastes ensembles urbains vont se peupler. Et de plus en plus. C’est vers ce type de compositions que je me dirige, je le sens” confie le peintre. “Mes toiles sont de vastes fenêtres où le chaos règne. Peindre est une lutte. Mais une lutte nécessaire. Le temps que cette énergie, ce besoin instinctif, s’exprimeront par mon geste, mon travail avancera.”

PATRICK HUGUES

Patrick Hugues, is 44 years old, he lives and works in Marseille. Graduated by the Government at 25, the young phocean artist sets up on his own. For a while, his practice of drawing and of illustration is left aside. But the need of sketching suddenly reappears in his life. Promising, he creates a first series of black felt-pen drawings. He marks his first steps of composition. Neglected harbors, warehouses, motionless cranes : one can then see large unbalanced urban aeras. At first disembodied, his works will slowly become inhabited. Feeling that the time of large formats has come, the artist moves to canvas painting. Fires, gas masks, scenes of riots, of urban violence… A tormented and cathartic dimension prevails. Just like the respect of figuration, inherited from his many years of architectural practice. Always in black and white, the painter works in tone of grey, adding successive layers of washing and glacis. Rough and violent, red also appears in his works. After a first series called “Noir ” (black), highlighted in the gallery called “l’Appatement”, Patrick Hugues meets David Pluskwa, a major event in his career. For the gallery owner, who at the moment exhibits the best of the avant-garde of Marseille, Patrick’s works are unavoidable and welcome. “ After ? I think that my urban complexes are going to become more populated. And more and more. It is towards this kind of composition that I am going, I can feel it.” says the painter. “My canvasses are like large windows where chaos reigns. Painting is a fight, but a necessary fight. As long as this energy and this instictive need can express themselves through my gesture, my work will progress”.


POPAY

Juan Pablo de Ayguavives, dit Popay, est un artiste peintre et illustrateur français d’origine espagnole. Popay commence à peindre dans la rue au milieu des années 80 et devient rapidement une référence dans le milieu du graffiti, de par sa technicité hors du commun et sa créativité sans limite. Dans son oeuvre, la peinture aérosol, l’aérographe et le pinceau se mélangent et se superposent pour créer le « sfumato » caractéristique de son travail, tantôt figuratif, tantôt abstrait, mais toujours dynamique et minutieux à la fois. Popay a su créer un univers fantasmagorique dans lequel humains et animaux se confondent pour former un bestiaire hallucinant évoluant dans une forêt saturée d’éléments végétaux et organiques. Outre ses nombreux dessins au crayon et à l’encre, ses peintures sont époustouflantes tant dans leurs compositions que dans la frénésie des couleurs.

POPAY

Juan Pablo de Ayguavives, called Popay, is a french painter and illustrator who has spanish origins. In the mid-eighties, Popay starts painting in the street and soon becomes a reference in the world of graffiti thanks to his outstanding technicality and a limitless creativity. He is unanimously considered as a pionner of the movement in France and in Europe. In his work, spray-painting, airgraph and brush mix all together to create the “sfumato”, characterictic of his work, sometimes figurative, sometimes abstract, but always both dynamic and precise. Popay has been able to create a phantasmagorical universe where humans and animals are confused to form an hallucinating bestiary evolving in a forest saturated by plants and organic elements. Besides his many pencil and inky drawings, his painting are breathtaking both because of their composition and the frenzy of colors.Today, Popay exhibits in contemporary fairs and is regularly invited to perform in art, music or fashion festivals.


ROMAIN FROQUET

Romain Froquet, né en 1982, vit et travaille à Paris. Les oeuvres de Romain Froquet sont une invitation à la fantaisie et à la singularité issues de son propre subconscient. Froquet, artiste autodidacte, dirige sa passion pour le dessin vers des médiums divers sans préjugés. Il est aussi à l’aise en faisant de la peinture sur chevalet que dans la rue, recouvrant les murs des quartiers perdus et lugubres de la ville ou créant des oeuvres in situ. Il désire s’exprimer avec ou sans public, en choisissant parfois des zones urbaines obscures pour habiller les murs de ses représentations arboriformes délicates qui donnent de la couleur et de la joie à un décor autrement maussade. Chaque nouveau dessin, peinture ou intervention éphémère devient la relique qui nourrit et préserve la recherche, la gestuelle et l’expérience. A chaque nouvelle pièce naît un espoir de renouvellement, un pèlerinage artistique aboutissant à un résultat toujours sujet aux aléas de tous les éléments combinés –l’orage parfait. Il est tourmenté par son désir de liberté vis-à-vis de la rigueur classique ; cela se reflète dans ses dessins manga colorés, qu’il marie délicatement à la stylisation d’éléments figuratifs. Son état émotionnel, son inspiration et le besoin constant de gestuelle, de ligne et de mouvement continuel rappellent les abstractions nerveuses et excitées de Pollock et de Riopelle. Les références abondent dans les oeuvres d’art créées par ce jeune autodidacte possédant une âme ancienne. C’est pourtant l’oeuvre d’Arshile Gorky que je retrouve le plus clairement imprégnée dans son trait.

ROMAIN FROQUET

Romain Froquet, born in 1982, lives and works in Paris. His work is an invitation to fancying and to the singularity of his own subconscious. Froquet, a self-taught artist, drives his passion for drawing towards various mediums without prejudice. He feels as much at ease painting on an easel than in the street, covering the walls in lost and gloomy aeras of the city or creating paintings in situ. He wants to express himself with or without public, selecting sometimes dark urban aeras to dress up the walls with his delicate arboriform representations to give color and joy to a landscape otherwise gloomy. Every new drawing, painting or ephemeral intervention becomes the relic that nourishes and preserves the research, gestures and experience. Every new piece creates a hope of renewal, an artistic pilgrimage leading to a result always subject to the inherent hazards of the combination of all the elements —the perfect storm. His desire to free himself from classic rules makes him anxious ; This is reflected in his colourful manga drawings which he delicately harmonizes with a stylization of figurative elements. His emotional state, his inspiration and constant need for gesture, for lines and perpetual movement remind the nervous and excited abstractions of Pollock and Riopelle. References abound in the art of this young self-taught artist whose soul is antique. It is however Arshile Gorky’s work that I find the most clearly inspiring his lines.


SHAKA

Marchal Mithouard alias Shaka, artiste français issu de l’art urbain, a marqué les esprits grâce à une technique unique : en y intégrant des éléments qu’il sculpte directement sur toile, ses oeuvres sortent de l’espace plat pour venir à notre rencontre. Portraitiste hors pair, il fragmente ses visages pour capter les expressions les plus crues et mettre en lumière l’absurdité des comportements humains. Sa technique de travail très élaborée ne lui permettant de produire que quelques pièces par an, et ses nombreuses sollicitations à l’étranger, en font un artiste rare en France.

SHAKA

Marchal Mithouard alias Shaka, french artist coming from Urban Art, became famous thanks to an unique technique: By incorporating elements that he sculpts directly on canvas his works emerge from the flat space to come and meet us. Outstanding portraitist, he fragments the faces to catch the rawest expressions and highlight the nonsense of human behaviour. His very elaborate technique allows him to produce only very few pieces a year and the many sollicitations abroad make him a rare artist in France. “At the moment my purpose is to work around the volume, movement and depth. I often use characters who make faces, very exaggerated attitudes, violent because in movement, charasteristic and strong expressions” says Shaka. After having transposed a 3D dimension on canvas, the artist has decided to apprehend a wider pictural universe and to embark on sculpture.


SNIK

SNIK est un duo d’artistes basé au Royaume Uni. Avec plus d’une décennie d’expérience, le collectif s’est vite imposé comme l’un des plus intéressants et progressistes du sol anglais. Son esthétique audacieuse se caractérise par des scènes gelées d’actions dynamiques, souvent réalisées dans des échelles impressionnantes. SNIK, à travers des oeuvres particulièrement insolites, montre les détails délicats du quotidien. Plutôt qu’un récit élaboré, les deux artistes cherchent à élever les détails subtiles et souvent non remarquables d’un seul instant, des plis et des textures de tissus. Les pochoirs entièrement réalisés à la main comptent neuf couches d’épaisseur pour rendre aux portraits réalisés plus de profondeur et de précision.

SNIK

Snik is a duo of artists based in the United Kingdom. With more than a decade of experience, this collective quickly stood out as one of the most interesting and progressive in England. Their audacious esthetics is characterized by frozen scenes of dynamic actions, often realized on an impressive scales. SNIK trhough particularly unusual works, shows the delicate details of everyday life. Rather than an elborate story, both artits try to increase the subtle and often not obvious details of a unique instant, like pleats or the texture of a material.The stencils always made by hand have nine layers of thickness in order to give more depth and precision to the portraits.


XAVIER JAMBON

La peinture, dit-on, est une manière de suspendre le temps… Celle de Xavier Jambon répond parfaitement à cette définition, car elle est faite de moments arrêtés, d’instants d’éternité, de flashs d’évidence intemporelle, d’éblouissements visuels que l’artiste sait rapporter du plus profond de lui-même, et dont il se saisit par un rapide croquis avant de les mettre en peinture. On y voit des personnages figés dans un acte de la vie quotidienne, saisis dans des moments anodins « d’être au monde » et puis fixés par la peinture, incrustés et fossilisés à jamais dans celleci.

XAVIER JAMBON

Painting, as they said, is a way of suspending time… Xavier Jambon’s is a perfect answer to this definition, because it is made up of specific times, timeless moments, flashes of timeless evidence, glares which come from the depth of artist, and which he seizes by a quick sketch before painting.
We can see characters fixed in act of daily life, in anodyne moments then fixed by painting, forever inlaid and fossilized in it. They seem to float in a space-time which also a social space, free from gravitation, far from anecdotal situation in which they were picked. We can see a painting whose. A painting whose formal virtuosity allows him to transcend its figurative subject. Story told, narration and representation forget their object, to be no more than the support or pretext for a marvelous painting whose mystery is due precisely to the ambiguity of the motionless image, which enable those who watch it to be wonderfully imaginative


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